Theaterkritik zu Ulrich Rasches Inszenierung von Woyzeck (Premiere 15.09.2017)

Woyzeck und Wiederholung, Rasche und Rotation – das passt zusammen.

Das nur fragmentarisch überlieferte Drama Woyzeck, das von Georg Büchner Zeit seines Lebens nicht fertiggestellt wurde, erzählt die Geschichte eines Individuums im Spannungsverhältnis zum sozialen Machtgefüge, dem es erliegt.

Das nur fragmentarisch überlieferte Drama Woyzeck, das von Georg Büchner Zeit seines Lebens nicht fertiggestellt wurde, erzählt die Geschichte eines Individuums im Spannungsverhältnis zum sozialen Machtgefüge, dem es erliegt.

 Woyzeck ist ein einfacher Soldat, der seine Frau und sein uneheliches Kind durch weitere Nebentätigkeiten versorgen muss. Gegenüber den ihm gesellschaftlich übergestellten Hauptmann und Doktor muss sich Woyzeck ganz und gar verkaufen. Dem Doktor dient er als Versuchsobjekt für diverse medizinische Untersuchungen und Schaustellungen, dem Hauptmann gegenüber erledigt Woyzeck Dienste wie zum Beispiel das regelmäßige Rasieren. Gerade in diesen Szenen deutet sich an, dass Woyzeck zunehmend einem Wahn verfällt. Während es aufgrund der unklaren Szenenabfolge nicht gänzlich zu rekonstruieren ist, wie Büchner den Verlauf des Wahns Woyzecksgestalten wollte, lässt sich erahnen, dass gerade die schier unumwälzbare Abghängigkeit Woyzecks gegenüber Hauptmann und Doktor ausschlaggebend für seine psychische Entwicklung war. Eingespannt zwischen seinen Pflichten gegenüber den Höhergestellten und seinem Bemühen, seine Famiie zu versorgen, gerät Woyzeck in eine dauerhafte Anspannung, die ihm gerade in Gesprächen mit Marie und dem Hauptmann durch diese Figuren konstatiert wird. Woyzecks gehetzte Art stellt dabei nur einen Aspekt des sich anbahnenden Durchbruchs dar. Weiterhin erleidet Woyzeck in Szenen wie zum Beispiel auf dem Feld mit Andres oder alleine auf dem Feld Halluzinationen. Er meint, Stimmen zu hören, die ihn eindringlich beschwören, Marie zu töten. Dass es zu dieser Eskalation kommt, wird durch Maries Verhältnis zum Tambourmajor ausgelöst.

Ulrich Rasches Bearbeitung des Stoffes reiht sich ein in eine Folge von Aufführungen, die abfällig von manchen als “Maschinentheater” bezeichnet werden. Rasches Inszenierungen prägen vor allem drei Aspekte. Erstens die musikalische Begleitung, die vom ersten bis zum letzten Moment pausenlos durchspielt, zweitens die Konstruktion des Bühnenbilds, die in dieser Inszenierung in der Form einer verstellbaren Drehbühne konzipiert wurde, und drittens die kondensierte Form des Sprechens. In Rasches Inszenierungen wird Chorsprechen als zentrales Element eingesetzt, und wenn einzelne Figuren Monologe halten oder Gespräche führen, dann sprechen sie langsam und dehnen den Text auf konzentrierte Weise auseinander. Alle drei Elemente der Theaterpraktik Rasches fungieren als Medium für den in Woyzeck ausgetragenen Konflikt zwischen ihm als Individuum im Bannkreis gesellschaftlicher Machtverhältnisse und den äußeren Zwängen, die letztlich nur mit einem regelrechten Ausbruch überwunden werden zu können scheinen.

 Dievon Monika Roscher komponierte Musik setzt den akustischen Rahmen der Produktion. Anfangs, wenn die Inszenierung mit der Szene von Woyzeck und Andres auf dem Freien Feld beginnt, ertönt ein stählerner Sound angeschlagener Flügelsaiten im hämmernden Puls eines allumfassenden Metronoms. Die Regelhaftigkeit dieses leblosen Herzschlags skizziert schon vor dem ersten gesprochenen Wort starre und festgefahrene Strukturen, innerhalb derer sich die kleine Welt des Woyzeck abspielt.

Das von Rasche selbst entworfene Bühnenbild nimmt das Motiv des sich stetig wiederholenden Kreislaufs auf und evoziert mit der rotierenden Scheibe gleich mehrere aus dem Text entnommene Bilder. Die Rastlosigkeit Woyzecks, sein sich immer wiederholender Tages- und Wochenablauf, die schier unendlich sich wiederholenden Tätigkeiten und Dienstleistungen werden durch die einfache Rotation eines unbeschriebenen Ziffernblatts zum Fundament dieser Inszenierung. Mit jeder Drehung baut sich der Druck hinter Woyzeck weiter auf, und mit jedem auf der Scheibe zurückgelegten Fußschritt ist er doch keinen Schritt weiter aus seinen Abhängikeiten getreten.

Die von Nicola Mastroberardino in der Hauptrolle und den weiteren Schauspieler*innen dargebotene Sprach- und Spielleistung erfolgt auch nach dem bekannten Rasche-Muster, das jedoch in Woyzeck die Dynamiken des Werkes treffend aufzugreifen scheint. Alle Figuren sprechen fast ausnahmslos mit zum Zuschauer*innenraum gewendeten Blicken in die Dunkelheit hinein. “Jeder Mensch ist ein Abgrund, es schwindelt einem, wenn man hinabsieht”, äußert Woyzeck selbst, und tatsächlich: wie die Schauspieler*innen ins Zwielicht des Publikums schauen und auf der Drehscheibe wanken, meint man tatsächlich, den großen sozialen Bruch in allen Charakteren zu erblicken. Sie schauen sich nie in die Augen und reden aneinander vorbei. So scheinen die Gespräche des Werkes eher einen Abgesang einzustimmen, statt die Figuren miteinander auf eine Ebene zu bringen, und so kommt auch die Inszenierung folgerichtig an dem entscheidenden Punkt des Dramas an: Woyzeck hört Stimmen, und nicht nur aus dem ihn umgebenden Chor, und sie befehlen ihn zum Töten.

Die Bühne neigt sich–an einem zwar nicht blutroten, doch totenblassen Vollmond hängen Marie und Woyzeck, bis dieser schließlich in den Wassern und zwischen den Stimmen der Gesellschaft vielleicht kein Grab zu finden scheint, aber wohl den Abgrund nach einem tiefen Fall aus Ketten, die von ringums ihn ergriffen hatten.

Rasche nimmt eine simple Idee–die der Wiederholung–und stellt Motive dieser Idee in solcher Kontiguität auf die Bühne, dass man schier erdrückt zu werden scheint von den Gewalten, denen Woyzeck im Kampf gegen das Äußere erliegt. Mit der Rotation im Bühnenbild und der Musik ergeben sich gravitative Anziehungen, die alle Figuren im Orbit zu ergriffen haben scheinen. Diesem Sog scheint niemand sicher, und wenn der insgesamte Eindruck ein fatalistischer zu sein scheint, ist der Abend doch–wie überraschend–ein runder gewesen.

 Woyzeck ist ein einfacher Soldat, der seine Frau und sein uneheliches Kind durch weitere Nebentätigkeiten versorgen muss. Gegenüber den ihm gesellschaftlich übergestellten Hauptmann und Doktor muss sich Woyzeck ganz und gar verkaufen. Dem Doktor dient er als Versuchsobjekt für diverse medizinische Untersuchungen und Schaustellungen, dem Hauptmann gegenüber erledigt Woyzeck Dienste wie zum Beispiel das regelmäßige Rasieren. Gerade in diesen Szenen deutet sich an, dass Woyzeck zunehmend einem Wahn verfällt. Während es aufgrund der unklaren Szenenabfolge nicht gänzlich zu rekonstruieren ist, wie Büchner den Verlauf des Wahns Woyzecksgestalten wollte, lässt sich erahnen, dass gerade die schier unumwälzbare Abghängigkeit Woyzecks gegenüber Hauptmann und Doktor ausschlaggebend für seine psychische Entwicklung war. Eingespannt zwischen seinen Pflichten gegenüber den Höhergestellten und seinem Bemühen, seine Famiie zu versorgen, gerät Woyzeck in eine dauerhafte Anspannung, die ihm gerade in Gesprächen mit Marie und dem Hauptmann durch diese Figuren konstatiert wird. Woyzecks gehetzte Art stellt dabei nur einen Aspekt des sich anbahnenden Durchbruchs dar. Weiterhin erleidet Woyzeck in Szenen wie zum Beispiel auf dem Feld mit Andres oder alleine auf dem Feld Halluzinationen. Er meint, Stimmen zu hören, die ihn eindringlich beschwören, Marie zu töten. Dass es zu dieser Eskalation kommt, wird durch Maries Verhältnis zum Tambourmajor ausgelöst.

Ulrich Rasches Bearbeitung des Stoffes reiht sich ein in eine Folge von Aufführungen, die abfällig von manchen als “Maschinentheater” bezeichnet werden. Rasches Inszenierungen prägen vor allem drei Aspekte. Erstens die musikalische Begleitung, die vom ersten bis zum letzten Moment pausenlos durchspielt, zweitens die Konstruktion des Bühnenbilds, die in dieser Inszenierung in der Form einer verstellbaren Drehbühne konzipiert wurde, und drittens die kondensierte Form des Sprechens. In Rasches Inszenierungen wird Chorsprechen als zentrales Element eingesetzt, und wenn einzelne Figuren Monologe halten oder Gespräche führen, dann sprechen sie langsam und dehnen den Text auf konzentrierte Weise auseinander. Alle drei Elemente der Theaterpraktik Rasches fungieren als Medium für den in Woyzeck ausgetragenen Konflikt zwischen ihm als Individuum im Bannkreis gesellschaftlicher Machtverhältnisse und den äußeren Zwängen, die letztlich nur mit einem regelrechten Ausbruch überwunden werden zu können scheinen.

 Dievon Monika Roscher komponierte Musik setzt den akustischen Rahmen der Produktion. Anfangs, wenn die Inszenierung mit der Szene von Woyzeck und Andres auf dem Freien Feld beginnt, ertönt ein stählerner Sound angeschlagener Flügelsaiten im hämmernden Puls eines allumfassenden Metronoms. Die Regelhaftigkeit dieses leblosen Herzschlags skizziert schon vor dem ersten gesprochenen Wort starre und festgefahrene Strukturen, innerhalb derer sich die kleine Welt des Woyzeck abspielt.

Das von Rasche selbst entworfene Bühnenbild nimmt das Motiv des sich stetig wiederholenden Kreislaufs auf und evoziert mit der rotierenden Scheibe gleich mehrere aus dem Text entnommene Bilder. Die Rastlosigkeit Woyzecks, sein sich immer wiederholender Tages- und Wochenablauf, die schier unendlich sich wiederholenden Tätigkeiten und Dienstleistungen werden durch die einfache Rotation eines unbeschriebenen Ziffernblatts zum Fundament dieser Inszenierung. Mit jeder Drehung baut sich der Druck hinter Woyzeck weiter auf, und mit jedem auf der Scheibe zurückgelegten Fußschritt ist er doch keinen Schritt weiter aus seinen Abhängikeiten getreten.

Die von Nicola Mastroberardino in der Hauptrolle und den weiteren Schauspieler*innen dargebotene Sprach- und Spielleistung erfolgt auch nach dem bekannten Rasche-Muster, das jedoch in Woyzeck die Dynamiken des Werkes treffend aufzugreifen scheint. Alle Figuren sprechen fast ausnahmslos mit zum Zuschauer*innenraum gewendeten Blicken in die Dunkelheit hinein. “Jeder Mensch ist ein Abgrund, es schwindelt einem, wenn man hinabsieht”, äußert Woyzeck selbst, und tatsächlich: wie die Schauspieler*innen ins Zwielicht des Publikums schauen und auf der Drehscheibe wanken, meint man tatsächlich, den großen sozialen Bruch in allen Charakteren zu erblicken. Sie schauen sich nie in die Augen und reden aneinander vorbei. So scheinen die Gespräche des Werkes eher einen Abgesang einzustimmen, statt die Figuren miteinander auf eine Ebene zu bringen, und so kommt auch die Inszenierung folgerichtig an dem entscheidenden Punkt des Dramas an: Woyzeck hört Stimmen, und nicht nur aus dem ihn umgebenden Chor, und sie befehlen ihn zum Töten.

Die Bühne neigt sich–an einem zwar nicht blutroten, doch totenblassen Vollmond hängen Marie und Woyzeck, bis dieser schließlich in den Wassern und zwischen den Stimmen der Gesellschaft vielleicht kein Grab zu finden scheint, aber wohl den Abgrund nach einem tiefen Fall aus Ketten, die von ringums ihn ergriffen hatten.

Rasche nimmt eine simple Idee–die der Wiederholung–und stellt Motive dieser Idee in solcher Kontiguität auf die Bühne, dass man schier erdrückt zu werden scheint von den Gewalten, denen Woyzeck im Kampf gegen das Äußere erliegt. Mit der Rotation im Bühnenbild und der Musik ergeben sich gravitative Anziehungen, die alle Figuren im Orbit zu ergriffen haben scheinen. Diesem Sog scheint niemand sicher, und wenn der insgesamte Eindruck ein fatalistischer zu sein scheint, ist der Abend doch–wie überraschend–ein runder gewesen.


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